Politono y Nación

Politono y Nacion (19.4.14 - 247)El sonido nos define. Eso lo saben las compañías telefónicas, que han buscado la forma de que podamos “sonar” a través de nuestro celular. Una melodía de móvil puede proporcionarnos más información sobre una persona desconocida que un apretón de manos. La música, en ese viaje que va desde el instrumento o el estudio de grabación hasta nuestro cerebro, no llega pura. Como una abeja, se impregna del polen del significado hasta llegar al panal de las interpretaciones. Si, por ejemplo, en mi móvil, cada vez que me llaman suena el inicio de “Sweet Child O’ Mine”, estoy haciendo una declaración de intenciones y busco posicionarme en el mundo como rockero/a. De quienes escogen como sintonía la última canción de moda sabemos que tienen menos personalidad que los que se hicieron un tatuaje tribal durante los años 90. Cuando se trata de una pequeña pieza de Chopin, estaremos ante alguien que se siente más inteligente o más sensible que el resto. El tono de un teléfono no es una alerta a uno mismo sino un mensaje a los demás. El sentimiento nacionalista necesita mucho de símbolos y el politono es una herramienta útil. Manolo Escobar es una opción muy socorrida para españoles orgullosos de cierta edad. Una gaita puede significar amor por la propia tierra (Asturias) sin entrar en conflicto identitario con lo español. En cambio, cuando a alguien le suena en el móvil la mal llamada “música celta”, lo más probable es que se sienta muy asturiano y nada español y casi podríamos adivinar su voto. No en vano a la protagonista de “Ocho Apellidos Vascos” le suena en el celular una txalaparta. El sonido no es inocente. Por eso la música es un instrumento tan peligroso: porque es portavoz de mensajes sin que nos demos cuenta.

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Liberemos La Ópera De Yugos Ideológicos (Revista Atlántica XXII, núm. 30)

Portada nº 30Texto: Igor Paskual / Foto: Mario Rojas
La música, en principio, es sonido. Y el sonido no tiene ideología. Pero nunca escuchamos nada en el vacío, sin un discurso que lo acompañe. Debido a diversas construcciones mentales que se han fraguado a lo largo del tiempo, asociamos cada estilo musical no solo a un espacio o lugar, sino a un público, a una clase social, a una forma de concebir el mundo. Así, llegamos a establecer conexiones como, por ejemplo, los binomios blues-proletariado y ópera-burguesía, que han pasado a formar parte de nuestro imaginario sin que sean cuestionados, o se indague de dónde proceden.

Sin embargo, a menudo se trata de asociaciones que responden a los intereses de una élite, de la industria y, muchas veces también, del propio consumidor. Que la ópera sea asociada a la burguesía deriva de una serie de coyunturas sociales que tuvieron lugar a lo largo del siglo XIX y que sería muy largo enumerar aquí. Pero no podemos olvidar, por ejemplo, que el hecho de pagar una entrada, cara o barata, es una conquista que consigue sacar la música “culta” hacia el espacio público, ya que antes estaba reservada al salón privado de la nobleza. Por otro lado, la ópera, para sufragar el carísimo espectáculo que suponía, necesitaba gustar a un público amplio, sembrando, de ese modo, la semilla de la cultura de masas.

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La Decadencia

La Decadencia (14.04.14)

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Marco Galvani

Marco Galvani (12.4.14 - 246)Capilla del Queen’s College, Oxford. Concierto con piezas de Mozart, Bach, Galvani y, como colofón, el “Réquiem” de Fauré. Es una orquesta pequeña, casi de cámara, con un coro que, como la mayoría de los ingleses, suena a oro y diamante. Los intérpretes son estudiantes, pero el rendimiento es óptimo. Leyendo el programa, la pregunta es inevitable: ¿Quién es Marco Galvani? Por la foto parece un chico joven. Comienza el concierto y suena Mozart, luego Bach y, por fin, llega la pieza de Galvani, exclusivamente para coro. Se trata de su “Lamentations of Jeremiah”, por el éxodo judío del año 600 a.C. No puedo creer lo que oigo. Es tan bueno que llego a pensar que el folleto ha cometido un error y están interpretando una parte del “Réquiem” de Fauré que desconozco. Pero no, suena a Tallis, alto renacimiento mezclado con cambios armónicos tan audaces como soprendentes (depués, el autor dirá que se inspiró en el portugués Manuel Leitão Avilez). La pieza es bellísima y, pese a que el resto de las obras son de primer nivel, la de Galvani es la que más me gusta.

Marco Galvani, estudiante del Queen’s College, nació en 1994 y escribió esas lamentaciones para un concurso. En su SoundCloud muestra sus composiciones. No sólo de carácter vocal, sino también de música contemporánea y hasta de electrónica. Pero lo que más me llamó la atención fue que el director de la orquesta, o quienes confeccionaran el programa, tuvieran la habilidad y la valentía de incluir entre los grandes compositores a este joven desconocido. Es cierto que es un alumno del College, pero me pareció un gran gesto. Y él devuelve ese gesto con una gran obra.

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El Eterno Retorno

El Eterno Retorno (7.4.14)

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Bernstein

Bernstein (5.4.14 - 245)Admiro profundamente a este hombre lúcido y capaz. Obtiene plata líquida de cada compás y, como decían, si Karajan hacía la música, Bernstein “es” la música. Porque fluye, va y viene hacia el horizonte de nuestros sentidos y los traspasa dejándonos con la sensación de que ese momento no puede ser mejorado. Además, reparte sus talentos en facetas distintas que agrandan su figura y contribuyen a engrandecer “la” música, no sólo “su” música. La contribución de Leonard es tan grande como generosa. Por una parte está su incansable labor como director musical, con el timbre, el sentido tan particular y la fluidez orgánica de su batuta. Grande entre los grandes. Después, su tarea como compositor es descomunal. No sólo “Candide”. También puso música al fabuloso libreto de Arthur Laurents titulado “West Side Story”, una obra completamente norteamericana, una manera de hacer musical que enseñan al resto del mundo. Le quitó a su país el complejo de que no tenía tradición sinfónica y, basándose en modos derivados de la música negra, creó esta obra inmortal. Un músico no siempre le hace mayor favor a la música por componer muchas piezas sino que, en general, sería deseable que la mayoría limitase su creación a cantidades más razonables. Bernstein sirve a la música desde varios frentes: desde la tierra, con sus propias obras, desde el aire, dirigiendo, y desde el mar, descubriendo las obras de otros. Por ejemplo, si Mahler ocupa la importante posición que tiene, es gracias al esfuerzo de Bernstein por descubrirlo al resto del mundo con motivo del centenario de su nacimiento. Supuso una titánica tarea de docencia y relaciones públicas para darlo a conocer. Son tres formas de mostrar el respeto a lo más importante: a la música.

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Nueva Musicología

Nueva Musicologia (29.3.14 - 244)Ha muerto Joseph Kerman (1924-2014), el investigador que dió nombre a la nueva musicología y compiló sus propuestas en su libro clave “Contemplating music: challenges to musicology” (1986). Antes, la mayor parte del  mundo académico estudiaba la música a partir del análisis de las partituras y de lo que estaba escrito en los pentagramas. Cambios de tono, intervalos y peculiaridades rítmicas eran los únicos aspectos dignos de ser tratados. Un enfoque formalista. Hacía unos cuantos años que la literatura y el arte se trataban ya dentro de su contexto político y social e incluso desde una perspectiva de género, pero la musicología seguía estancada en el pasado. Kerman proponía una interacción entre disciplinas para leer las distintas capas que ofrece una obra de modo que, desde este enfoque, la partitura no era causa y origen de la música, sino la desembocadura de una serie de conflictos. Y es que es imposible comprender todo el sentido de una pieza fijándose únicamente en lo musical.

Así, aprendimos que la música no es un lenguaje universal y que la veneración a ciertos autores está condicionada por el papel hegemónico de sus países de procedencia o por la valoración de algunos críticos y directores de prestigio cuyos juicios estaban influidos por la clase social a la que pertenecían. Gracias, entre otros, a Kerman, pudimos entender que una sonata de Mozart no sonaba igual para sus contemporáneos que para nosotros y que, incluso dentro del mismo periodo, la percepción de cada persona es diferente según sus experiencias, género, clase, raza o religión. De paso, se pudo ampliar el mapa sonoro, que hasta entonces había sido masculino, blanco y europeo, hacia otros lugares. Kerman ha muerto. Viva Kerman.

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Presentación / Encuentro “El Arte de Mentir” – Gijón, 1 de Abril 2014

1.4.14 EADM GijonFecha: Martes, 1 de Abril 2014
Hora: 19.00h
Presenta: Xabel Vegas (músico y columnista)
Lugar: Salón de Actos de la UNED
Ciudad: Gijón

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